摘要
吉姆·戴恩最早在六十年代的美国从“流行艺术”的通道进入大众视野，尽管早期他与纽约画派来往密切，也进行过“偶发艺术”等“激进”的尝试，但他却在往后艺术道路的探索过程中离流行艺术越来越远，而最终回归到他个人源于内心的艺术追求。吉姆·戴恩大量的作品当中，素描是一直贯穿于他日常创作的自发的营造，尤其在上世纪七十年代开始，吉姆·戴恩直接写生创作了许多人像、植物、古代雕塑等素描作品，这批素描极具视觉表现力。素描作为他表达自身与周遭世界关联的重要创作形式，同时也是一个以回到以视觉形式追问世界的过程。 笔者认为素描作为吉姆·戴恩重要的创作形式值得我们去考察研究，而这批素描的核心价值在于其“存在的厚度”。本文主要通过对艺术家七十年代往后较为成熟的一批具有代表性的素描作品来进行探讨，试图发掘这些作品背后蕴藏的独特艺术价值与力量。 本文分为八个章节，第一章从美国当代艺术情景以及吉姆·戴恩的早年生活经历等展开考察，交代这些背景对艺术家创作形成的重要影响；第二、三、四章分别从其素描中的“工具主题”、“古物主题”以及“人物与风物主题”是如何生成的来论述这些主题对于艺术家而言有着何种联结与深度；第五、六、七章对其素描的“形式”、“材料与媒介”、“线条”的具体分析来尝试解读恩素描存在厚度之体现；第八章由“从观察到精神”“非对象性”“存在的厚度”三个方面来论述吉姆·戴恩素描作品存在之境域，进而阐明其素描作品如何体现其存在的厚度与艺术价值。
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